米兰设计周，卷宗在现场
这并不夸张，将米兰设计周称为设计界最大的年度全球活动，尤其是在疫情打乱原来的生活周期之后。今年的6月7日至12日在米兰，设计爱好者、策展人和行业从业者在此聚集，一边发布也一边发现着来自世界各地的最新产品和家具。在这座城市里，一个由设计组成的庞大网络，链接着画廊、店铺、陈列室、城市装置、博览会和社交媒体上人们上传的一切。
这并不夸张，人们不可能在这一周内看完所有被展示的内容，但比去年大幅上涨的参加人数，这表明人们对展会的怀念程度。有一件事没有改变——时尚界和家具界的融合——这两个领域已经因审美、先锋性与制造业的发展成为越来越紧密的伙伴。
本期，最终章，翻开最前沿的设计辞典。
西班牙建筑师、设计师Patricia Urquiola
西班牙建筑师、设计师Patricia Urquiola简称PU
W＊：在为Cassina的最新设计中，新版的Sengu系列和以往有什么不同？
PU：最近两年时光对于很多论证都十分重要。时间的概念改变了，它在设计中的存在也被迫改变了。在某种程度上，我们试图应用这种改变积极的一面。我的Sengu系列开始于三年前，在第一次全球新冠大流行期间，初始概念便是关于重建，灵感来自日本伊势神宫每二十年重建一次的传统，这是一种利用有规律的重复实现永恒的方式。初代设计从沙发延伸到餐桌、茶几。
今年我们推出了第二个版本的沙发系统，取名Sengu Bold。它有两层意味，一是类比字体加粗（Bold），重点强调值得注意的东西。二是比喻对原设计的大胆（Bold）改写。原先的底座消失了，沙发丰盈的曲线一直延伸到地面。在旧版本中你能清晰地看到结构与框架，而在新版本中这种支撑被内化了，蓬松的结构感来自新一代回收的PET纤维填料。这就是我们从这两年经历中所学到的，在同一概念下应用最新的技术来演化形式，在时间中重建。
W＊：新的Sestiere花瓶被认为延续了威尼斯传统的玻璃加工工艺，您是否对将手工艺应用于工业设计感到乐观？
PU：Sestiere花瓶属于Cassina近期创建的细节（Details）系列，它提供一系列设计配件来扩展人们对于生活空间的注意力，以家为原点建立人与世界关系的地理学。Sestiere花瓶的设计沿袭了这一品牌理念，并结合了两种工艺。瓶身来自吹制玻璃，束缚瓶身的“绳索（Morisa）”来自Murano玻璃，鲜明的色彩相互对比，透明感与粗粝感共存，产生强大的艺术冲击力。这是我们试图创造的古老工艺与当代设计和谐的共生关系。
向左滑动查看：Cassina展厅
W＊：您是如何在作品中处理丰富的色彩的？
PU：通过色彩构成，我试图在设计中创造和谐，其中处理多重关系常常是工作的重点。比如为经典形式赋予新的色彩，反复试验色彩与质感的碰撞，我们利用色彩让互动发生，让对话发生。色彩本身充满能量，它可以跨越时间改变空间，改变一切。当2018年我们翻新Cassina陈列室时，这个位于中央的金属栏板旋转楼梯是黑色基调的，被穹顶天光照亮，静谧深邃。而现在它是橙色的，这种改变是必要也唯一的，它是Virgil Abloh的橙色。
Cassina二楼展厅全部用来展陈Virgil Abloh的新品Modular Imagination积木系列。它包含两个不同大小的黑色方块，可以组合成不同的功能，灵感来自上世纪初勒·柯布西耶等大师的设计价值观。于是，这个橙色楼梯传递了很多隐喻，仿佛带领大家跨越上世纪以来繁复热闹的流行文化，回溯到一个抽象的设计思考的初始点——模块化。此外，我们也在试验色彩与数字感知力之间的关系，以往，我们运用透明材料来刻画光线使得色彩流动的能力，现在，一切都在数字化，你可以看到Cassina陈列室里对产品创作的绚烂的简介视频，屏幕荧光与色彩的互动将是又一个令人兴奋的研究方向。
W＊：您的设计涉及到多种材料的探索和碰撞。您在设计时通常是如何决定材料的？
PU：我的工作并不是抽离地审视材料，我更关注产品生成的过程，以及如何以更可持续的方式制造它。这里的“可持续”绝不仅是一个时髦的形容词，它是我工作的主要责任与论点之一，我们充分享受并持续期待与Cassina Lab合作研究材料，在不同部门间协作，开放地争论材料的选择。比如前面提到的Sengu系列新沙发组合，外形设计大致确定时，最重要的设计讨论才刚刚开始，那是关于你看不到的填充材料的讨论。我们期待使用再生的填充材料，但如果只是为了循环利用的名义而工作，你将迅速失去创造新品质的力量，只有当我们挖掘新材料的表现潜力，从而升级设计，才能称之为积极的循环，这是一个进化的过程。在Sengu餐桌系列中对陶瓷桌面的研究提供另一种参考。我们已悉知并期待运用陶瓷工艺所传达的手工触感和共情能力，但材料的强度与耐久度成为重大的挑战。所有这些讨论在团队材料研究中反复交叉地出现，最终擦出火花，这是我们所理解的工艺与技术协作并可持续发展的一种方式。
来自意大利，Cc-tapis专注打造当代手工地毯，由专业的藏族工匠在尼泊尔创造。此次设计周，Cc-tapis联手众多知名的创意人士，如Patricia Urquiola、Bethan Laura Wood、Duccio Maria Gambi、Sabine Marcelis等，扩展了品牌的艺术世界。新设计陈列在其在位于市中心Piazza Santo Stefano的展厅、以及Rho Fiera的展位中。
向左滑动查看：Patricia Urquiola、Bethan Laura Wood、Duccio Maria Gambi、Sabine Marcelis
与Cc-tapis长期合作的英国艺术家Bethan Laura Wood设计了Euphorbia系列，地毯图案扩大了她的在疫情封锁期间的水墨画。纯色未染色羊毛与深紫色羊毛搭配，再现了设计师的仙人掌手稿。在最终打造出的一张大地毯和三块较窄的三联地毯上，植物的线条鲜明，犹如 "活的书法"一般。
设计周期间，卷宗在Cc-tapis的展厅内欣赏到Bethan的手稿。小小的Moleskine本子上，设计师用铅笔和墨水笔工作，并运用丰富的创造力和耐心，勾勒出植物的每一个细节，并最终投射为Euphorbia系列产品的每一道纹理。
向左滑动查看：Bethan Laura Wood的手稿
柔软的地毯总是无可避免地伴随着人们使用的痕迹，而由荷兰的设计工作室Odd Matter的创始人兼设计师Els Woldhek和Georgi Manassiev创作的TCP系列却试图将使用痕迹定格为永久的设计。不对称的车轮纹理加上蓝色、青柠色和粉红色，再现了轮胎在沙地上留下的标记。作品的出发点是通过设计捕捉转瞬即逝的片段——海滩上炎热的一天，游泳后回到海边停车场：“开车离开，车轮留下我们存在的暂时的柔软痕迹，同时抹去那些在我们之前的人的痕迹。”
荷兰设计师Mae Engelgeer的Ceremony系列将她的色彩感与传统的日本设计相结合。受榻榻米启发，该设计体现了地毯最古老的使命，即定义一个神圣的时刻，成为日常仪式的舞台。Ceremony包括一款网格图案的长方形地毯，颜色的灵感来自于一天中的不同时间，以及一款多色可选的圆形地毯相结合，允许两块设计以叠加方式进行空间实验。
在这一系列中，两块地毯的组合也另使用更为灵活多变。在每一天不同时刻的不同形态与色彩组合中，捕捉东方禅境的某种意涵。
跨学科建筑与设计工作室Atelier Oï
在Silvia Venturini Fendi的带领下，Fendi Casa与国际知名设计师和建筑师群体合作，通过一个个系列，全新演绎了品牌标志性的美学和价值观。米兰设计周期间，全新Fendi Casa系列全面亮相，来自Toon Nguyen、Thierry Lemaire、Piero Lissoni、Atelier Oï、Marcel Wanders Studio、Cristina Celestino等设计师的作品在与彼此的对话中，共同诠释了品牌优雅而轻盈、经典而创新的室内设计理念。其中，来自瑞士的跨学科建筑与设计工作室Atelier Oï接受了我们的专访，深入探讨他们与Fendi Casa的首次合作。
Atelier Oï由Aurel Aebi、Armand Louis和Patrick Reymond于1991年共同建立，其名称源自“troika”一词，在俄语中表示“三联体”。多年来，Atelier Oï一直致力于通过跨学科和整体性方法促进实验创新和文化交流，他们的项目囊括建筑、室内、产品和场景设计，以精雕细琢的材料运用带来强烈的情感冲击。就此次与Fendi Casa的首度合作，Atelier Oï介绍了整个系列的开发过程，从双方的首次接触到设计、生产、销售，前后不到两年时间，Fendi Casa团队给予他们极大的信任，快速、高效的过程也体现出了品牌对于扩大和实施新战略的投入和决心。
考虑到作为家族品牌的特殊性，Atelier Oï将设计方向的核心定在品牌历史极其遗产的延续和发扬上，并结合工作室惯常的将材料作为基石的产品开发过程。他们表示：“深入挖掘一个品牌的DNA和精髓，首先要了解他们在过去做了什么，以及哪些是品牌的标志性元素，之后，我们通过材料诠释品牌故事。我们的做法是从一个语境中得到启发，创造一些诠释和解读，为这一语境定义出一个具体的故事。我们将之称为‘Story Texture’，就像建筑那样，这意味着我们不是故事的陈述者，我们是故事的构建者。通常情况下，美学是材料结构的表现。我们的工作围绕材料展开，尊重材料的特性和局限，让材料自我表达，那么材料自然而然会导向形式。”
在此次系列中，Atelier Oï最重要的灵感源泉当属Fendi罗马总部Palazzo della Civiltà Italiana的立面拱门，此外，Peekaboo系列手提包也被巧妙借鉴。设计师们介绍道：“我们通过不同形式、材料、规模的探索，把玩这些意象和元素，创造不同的解读。同样的拱门元素，大理石、金属、织物的诠释效果是完全不同的，因为材料的厚度、硬度、触感都有天壤之别，而在细节或整体结构上的表现方式也大相径庭。”对于Fendi，他们选择了一系列丰富的高质量原材料，运用工艺将Fendi Casa的价值移植到各种新物品中。
Arches餐桌由一整块大理石打造而成，包括黑色Marquinia和白色Carrara大理石两款。餐桌底座由一系列相扣的拱形结构组成，如一座华丽的雕塑，极具视觉冲击力。Metropolis咖啡桌的金属底座同样构成一连串有节奏的拱门，但与大理石餐桌的厚重不同，Metropolis系列强调纤细的优雅。透过彩色玻璃桌面，人们可以看到支撑桌面的结构仿佛肋状拱顶，这一细节和桌脚的束柱造型一同呼应了哥特式建筑的标志性元素。Blossom屏风和Vanitoso梳妆台均由镜子和钢制结构打造出交错的拱形系统，并点缀有不同材料制成的储物空间，视觉效果迷人、平衡。另一方面，Fendi核心美学中对趣味性的强调在全新的Fendi Fun单元式沙发系列中得到了完美的表达：在沙发和扶手椅的边角，填充物和衬垫从饰面材料后方探出，这一内衬外露的效果呼应了品牌标志性的Peekaboo包。从天鹅绒、皮革到绒毛、织物，饰面与缝隙处装饰元素的材料使用和搭配不尽相同。而就像Atelier Oï所提示的那样，边角缝合处的弧线其实也是门拱的一种变形。
在采访中，Atelier Oï强调他们的家具设计与品牌而非工作室本身的深刻联系，不同品牌的故事、历史不同，因此他们的设计也会有所区别，他们认为这是很多品牌关注他们的原因。Atelier Oï补充道：“对我们来说，总是需要作出变化，发现新的故事、尝试新的东西是有益且有意思的过程，这样其实给予了我们很大的自由。弊处或许是人们无法轻易辨认出Atelier Oï的作品，不过这对我们来说不是一个问题，最重要的是人们爱上并在生活中享受我们的设计。”
当谈到对品牌logo的直接借用时，Atelier Oï对此保留批判意见，在他们看来，“单纯在椅子上印Fendi的logo，并不是像在T恤上印logo一样简单，不仅仅是一个平面图像的问题，与材料本身是脱节的。我们通常不会这么做。如果要把玩logo，那不仅仅需要视觉表现，更需要对其结构进行研究”。此外，他们认为这样的“logo文化”不利于对大众的教育，设计师们继续说道：“我们需要注意公众教育，需要有负责心。如果不照顾好生态环境，我们会像恐龙那样从地球上消失。我们需要有节制、有所选择得进行消费，这也是为什么我们极其关注产品的质量。”而他们的这一观点也完美契合了Fendi Casa的愿景，正如Silvia Venturini Fendi所说的那样，“设计界和时尚界之间有很强的相似性：物品是为了持久的存在、为了被珍惜和代代相传而创造的。”
围绕“轻盈Lightness”的主题，Hermès回归La Pelota，并在此打造了四座高大却轻盈的水塔形状建筑，其木制结构以半透明的彩色纸覆盖，散发出优雅的光亮。Hermès家居艺术总监Charlotte Macaux Perelman和Alexis Fabry向卷宗讲述了他们对于这一场景设计的解读：“我们想探索存在于耐久性和轻盈之间的矛盾。在建筑方面，这种矛盾体现在水塔这种结构上。我们常在乡村看到的水塔以钢筋混凝土铸成，粗犷、强大、沉重。而我们决定以更轻的方式来重新审视这种建筑。”而建筑内部展示的爱马仕家居系列物件，在逆光下与水塔相映成趣，每一件都充满诗意与平衡之美。
今年，织物系列首次成为贯穿家居系列的主题。对此，Charlotte Macaux Perelman和Alexis Fabry说：“我们必须在从经典系列中挑选、策划和发展新作品之间达到平衡，两者都需要我们对选定的理念有深入的了解。通常，设计一款家具往往需要几年时间，因此我们从现有的Hermès家居系列中选择了呼应‘轻盈Lightness’主题的物件和家具。当然，我们还全新开发了几款格纹织物，因为其所需的时间更短、更灵活。我们以羊绒为原材料，编织出精细、轻盈的格纹图案，不同颜色的层次叠加在一次，达到与韩国丝褓（Bojagi）类似的透明效果。”的确，在水塔中呈现的五款全新格纹织物无疑构成了“轻盈Lightness”这一宣言的肌理，它们都由品牌钟爱的羊绒制成，并探索了不同的制造工艺（Savoir-faire）。
与Hermès有着多年合作的意大利艺术家Gianpaolo Pagni此次带来了两款全新作品：Construction毛毯通过材料本身来表达图形维度，不同颜色、形状的羊绒条以一种从成衣中借鉴的重连技术（RelinkingTechnique）进行拼接，最终效果使人联想到彩色玻璃窗；Surface床罩则结合细致的拼布和绗缝技术，制成了一系列炫目惊艳的六边形构成。由Hermès Studio打造的H Pythagore毛毯由一系列手工纺织、染色的羊绒方块拼接而成，纹理、材料、颜色和透明度在其中产生巧妙的相互作用。
与此同时，H Tartan和H Tissage毛毯运用棕、橘色调的变化，构成了空灵的格纹设计。这些格纹织物以不同工艺打造的微妙几何图案和精细编织的羊绒材料，无不散发着轻快的精神，给予使用者视觉和触觉上的双重满足。而谈到此次系列使用的特别色调时，Charlotte Macaux Perelman和Alexis Fabry表示：“‘轻盈Lightness’可以有两种解读，一种是字面意义，指不重的东西，确实我们制作和选择的物品在重量上都很轻；另一种解释是更具诗意和隐喻性的，它可以指颜色与色调。而很多时候，是材料决定了颜色。我们联想到Hermès的皮革、织物，因此为今年的家居系列选择了更饱和度低的颜色。”
除了织物系列，“轻盈Lightness”的主题还延续到了展览中的其他家具和饰品。全新的Soleil d’Hermès餐瓷系列围绕棕榈叶花纹，凸显黄色的温暖和光辉，呼应着夏日的甜蜜和餐桌上的共享时光，是设计师Arielle de Brichambaut的绘画天赋与Hermès瓷器制作者匠心工艺的结合。Pli’H系列的每一件餐桌装饰品都由一小张皮革片经过切割、折叠和手绘装饰，和由柳条、皮绳共同编织的Oseraie编篮一样，运用Hermès经典的皮革元素诠释“轻盈Lightness”，是为家中增添趣味性的最佳储物小品。
另外，展览中的两款经典家具精致、轻巧：西班牙建筑大师Rafael Moneo设计的Oria扶手椅，其典雅、平衡的现代结构由弯曲的橡木框架、藤编椅座和皮革椅背等细节构成；而在葡萄牙建筑家Álvaro Siza极简风格的Karumi凳中，藤条结构与皮革坐垫的组合是日式美学、Hermès工艺的完美融合。而对“轻盈Lightness”的最好诠释，也许蕴藏在西班牙设计师Tomás Alonso的Coulisse台灯系列中。轻巧的竹子框架和手绘的半透明parachute材料组成灯罩，光源则固定在一个圆形的金属环上：诗意是不同材料与构造交错之间的光影斑驳。
一如既往地，Hermès家居系列在材料和颜色之间找到平衡；在物品的设计中寻求轻盈；抓住材料的本质，并用工艺加以创意……正如这些作品所展示的那样，线条与风格的轻快可以超越时间，成为永恒。就像Charlotte Macaux Perelman和Alexis Fabry 所说的：“‘轻盈Lightness’对我们来说是一个重要的价值观。当你想到Hermès时，你不会立即想到轻盈、轻快的感觉，你想到的是坚固、扎实的物件。但我们总是设法玩转那些融合了矛盾元素的材料。一方面是物质性，既物品的实体存在，另一方面则是触感上的柔软性和灵活性。我们所面临的挑战是试图在这种物质的表达与柔软、感性之间取得平衡，这也是人们期待Hermès所要做到的。”
宜家设计总监Johan Ejdemo
在2022年米兰设计周Fuorisalone中，Ikea宜家在Base Milano举办"宜家节"。置身由工业遗址改造的文化创意中心，宜家用巨型装置、现场音乐、以及最为经典的瑞典小吃摊，邀请参观者一同狂欢。在热闹欢腾的氛围中，密集的设计会谈、充满想象的实验性展览，带领人探索人与家之间的关系如何演变。
今年Fuorisalone的主题是 "时间与空间"，室内展区举办了展览“时刻——居家的一生”（“Ögonblick - A Life at Home）。“这是一个概念性的、感性的展览”，Ikea宜家设计总监Johan Ejdemo介绍说，“这些装置讲述生活中不同时刻的故事，它们源自对年度《家居生活报告》的分析，从那里我们深入了解个体以及他们与家庭的关系，从而想象不同的人可能抱有的对新生活的期盼与不安，那些可以引起共鸣的时刻。我们关注你是谁。”
在这里，你可以看到装置“第一个家-独居”，巨大的银色反光灯球装置，被塞满了被褥和枕头，首度拥有个人空间当然要邀请朋友来参加暖房派对、睡衣派对，尽兴庆祝。装置“第一次同居”，堆积成穹隆的空纸箱下用地毯和软垫搭建的简易温馨角落，不难联想到第一次决定同居，辛苦搬家后筋疲力尽之余的满足感。此外，工作坊场地被布置成一张拼接之后又拼接的白色长桌，不成套的杯具，两侧各不相同的椅子，有关家庭集会的手忙脚乱和欢声笑语的回忆。
室外展区中，临时搭建了展示三个不同家庭生活的室内空间，各自讲述了居住者独特的故事。“第一个家” （First Homes）令人印象深刻，灵感来源于两个年轻人第一次下定决心共同居住到一起。Ejdemo动情地为我们描述这一场景，“当你和某人刚开始住到一起，意味着来自两个不同的家庭的人，开始融合各自经历所拥有的一切。家具、物品、记忆，有一些可能是非常传统而老旧的，有一些可能展示了截然不同的性格，它们需要被结合在一起，就像它们的主人一样。你或多或少看到非宜家的产品，也许是从你父母那里得到的手工木椅等等，很容易想象你已经拥有的物品与宜家产品相结合，宜家希望帮助你在新生活中安全着陆。”
与此同时，Ikea宜家节提供了对即将推出的新品的抢先体验，探索北欧文化的转译和积极情绪的调动成为关键词。
首次发布了与鹿特丹设计师Sabine Marcelis为2023年春季合作推出的两款Varmblixt旺布利灯具。一款拥有抽象的白色环形线条外观，另一款则是铜棕色线段，两款灯管都局部固定在墙面上，上部微微向外弯曲，发出暖白色光线。简洁的形式与温柔的光线相互塑造，仿佛当代艺术雕塑般美丽。“你知道，作为一个根植于斯堪的纳维亚半岛的品牌，有限的日照让我们始终对光线和照明充满迷恋。”Ejdemo笑着评价，“作为长期目标的一部分，我们的研究正在从如何提供特定功能的灯光，转变为如何提供具有情感价值的灯光。”
向左滑动查看：IKEA宜家与Marimekko品牌及英国Ilse Crawford设计师的新合作
“与芬兰Marimekko品牌及英国Ilse Crawford设计师的新合作也出于同样的追求，” Ejdemo补充道，“前者用鲜亮可爱的图案调动人们积极的情绪，后者通过室内香氛刻画人们回家瞬间的放松心情。” 与Marimekko合作的Bastua巴思图合作系列的四种图案在展会中陆续揭晓，其中，Ikea宜家在Base Milano屋顶露台搭建了北欧风格的桑拿房，展示了应用大黄叶新图案的回收聚酯浴帘，“大黄叶经常在芬兰乡村的桑拿房旁生长”。与Ilse Crawford合作香氛，目前公布了两种特色味道，斯堪的纳维亚记忆中的森林和壁炉。
此外，"空间与时间之间"的主题活动还组织了多场民主设计对谈，讨论如何应对这个不断变化时代的新生活方式。Ikea宜家民主设计（Democratic Design）理念由美观、实用、优质、可持续和可负担五个维度构成。当被问道其在宜家的发展和遇到的新挑战时，Ejdemo谈到，“维持低价、优质，设计可自助组装的产品是我们一以贯之的概念，这使得在可装配、易运输的可持续性问题上我们面对比同行稍小一些的压力。另外，使用可再生或可回收材料从来也不是什么新鲜事。”
向左滑动查看：IKEA宜家展区
“正在经历变化和挑战的其实是对产品从原材料到寿命终止的周期的新思考。什么时间可以真正被认为是产品生命周期的终点？目前一切还在最初阶段，但已经与设计师们一起开展了许多有趣的试验。例如，靠背可插卸的沙发，门板可替换的衣橱，更多变、多功能的使用模式让家具的生命周期延长，也为二次转售提供更多机会。”
“当你因为长期拥有而厌倦一个产品，或你的生活条件发生了改变使你开始需要新的东西，那还有什么可以让你想要继续拥有这个产品，并为它维修、升级或更新呢？”Ejdemo继续引导我们的思考，“我们做了从简单的装饰品到复杂的厨房系统，方方面面的一切尝试。这意味着每一次尝试都需要与不同的具体行业相联系，你必须不停地学习同一循环性主题在多种细分领域下开展时所面对的先决条件，并且保持好奇心，对于探索新的可能性时常保持积极。”Ejdemo强调，“关于循环性，真的没有一个简单而全面的答案。但可以笃定的是，面对挑战，我们有决心和热情，好奇和活力。”
还有更多正在进行中的合作项目也在展会活动中首次被披露。例如与电子音乐瑞典黑手党（Swedish House Mafia）合作设计的全黑编织袋质感的Frakta弗拉塔包袋系列。以及与拉丁美洲的九位创意人的多领域合作项目，涉及艺术、时尚、设计、建筑和食物等多个方面。
Young Soon Lee
随着我们向未来迈进，我们越来越依赖工艺以帮助我们理解购买某件东西的理由。这其中有人力价值的因素，实际上也有文化传承的方面。归根结底，工艺讲述了我们作为一个社会的历史。时隔两年后重归米兰设计周，Loewe呈现全新“编织新造 Weave, Restore, Renew”项目——一个手工艺多元项目，探索使用皮革、稻草、纸绳的编制艺术和传统，为那些先前被遗忘或舍弃的物件带来新生。
在Loewe看来，真正的工艺是可持续的，而修复的行为是使其成为现实的基础。通过“编织新造 Weave, Restore, Renew”，Loewe庆祝手工制作的再生性能力，尊重环境和传统，并肯定工匠们倾注了爱、注意力和时间的劳动果实。Loewe创意总监Jonathan Anderson告诉卷宗这一项目开启于疫情爆发之前，“我们花了两年多时间来做准备。从某个角度来看，它与当今正在发生的事情相对接。在众多不同的文化中，修补的理念都是极具精神性的，修补的过程使人谦卑。疫情的爆发使我变得非常谦逊，因为我意识到我们不能把一切都视为理所当然。”
“编织新造WEAVE, RESTORE, RENEW”将编织视为一种修补或为器物创造新外观的方式，主要围绕三个主题创作：Loewe引以为豪的皮革编织技艺，被称为“稻织Coroza”的西班牙加利西亚地区传统工艺，以及被称为“纸绳Jiseung”的传统纸编技艺。通过匠人的巧手，物件被赋予令另一重全新意义，而它自身的故事和器用被尽数保留，成为可以流传后世的独特作品。这一手工艺表达方式既是对可持续环境的尊重，也是对物件创造初始的意义的尊重。
在西班牙进行修复是“编织新造 Weave, Restore, Renew”的核心。Anderson解释道：“回顾历史，我认为编篮是西班牙文化中固有的存在，人们去海滩或购物时便会带上篮子这样的容器，一些最好的编篮制造商也都基于西班牙，而篮子也是Loewe的标志和品牌的关键DNA。”Loewe团队将从世界各地寻获了240件形状、功能、破损程度各不相同的编篮交给与品牌合作密切的西班牙本土工匠Idoia Cuesta、Belén Martìnez、Santiago Basteiro和Juan Manuel Marcilla，他们用不同颜色、粗细的皮绳进行修补，打造出一系列独一无二的篮筐，充满创新、趣味和惊喜。Anderson说：“在日文文化中，手工艺人会用金、银等贵重材料修复破碎瓷具。相似的，修补的目的不仅是使物件恢复原有形状那么简单，最终还需要某种升华，某个将其引入未知之境的理念。”
在展览所在的Palazzo Isimbardi内，一组展示架围绕庭院而建，编篮的陈列错落有致，每个篮子都配有皮革标签，注明其来源地、尺寸、原材料、修补所用时间和实际功能，其中绝大部分作品的修护时长都超过十个小时。从储物篮、手袋、罐子到婴儿篮、花瓶等，这些编篮功能、造型各异，可以说是其来源地文化的一个小小缩影。这其中，Anderson特别提到：“有一个我们在法国找到的扁扁的小篮子，最初它是用来收集花园里的香草的，有一个来自中国篮子是用来抓鱼的，还有一个巨大的篮子在西班牙是用来洗衣服的……这些篮子的实际功能最令我感兴趣。”
另外，在庭院中展出的一系列流苏斗篷额外引人注目，它们正是采用“稻织Coroza”工艺以稻草、芦苇、石楠和其他天然纤维编织而成的雨衣。这一传统可以追溯到几千年前，事实上，斗篷雨衣直到几年前仍一直被当地人使用。Anderson感叹道：“这些雨衣令人惊艳，它们有着特别的存在感，其造型很像战士的铠甲，哪怕像这样被展出，也显示出一直仿佛雨衣正被人穿着的气场。”借鉴“稻织Coroza”标志性的流苏元素，Loewe创造了一组手袋，仿佛雕塑作品那般，在兼顾实用性的同时充满视觉上的惊喜。
最后，以纸张作为修护新编的材料，Young Soon Lee运用“纸绳Jiseung”创造了一系列罐子。这一传统技艺将旧时的Hanji剪成细长条，用手指捻成扭曲的纸绳，并以此编织物品。“纸绳Jiseung”曾被广泛运用于家用器皿的制作中，但如今这一技艺面聊失传的危险。Young Soon Lee曾学习材料艺术，从上世纪七十年代开始便投身“纸绳Jiseung”的继承和发扬，她本着对和谐生活的体悟，为这以传统技艺注入现代价值。Young Soon Lee告诉我们，编织一个展览中的罐子需要一周到十天时间，期间每天工作十个小时，经过半个世纪的辛勤创造，她双手的指纹被严重磨损，这导致她每次日本看望在那里工作的两个儿子，都会在入境时遇到海关的训问。
Anderson对Young Soon Lee创作中显现的独特美学赞不绝口，他说：“我关注Young Soon的创作已经很多年了，她是2019年Loewe工艺奖的入围者，她的优秀作品被维多利亚和阿尔伯特博物馆收藏（注：Anderson是VA博物馆的董事会成员）。在我看来，她所做的是对现场材料进行重新创造，这是一个及其概念性的过程。尽管‘纸绳Jiseung’是一种历史悠久的传统技艺，但Young Soon作品所体现的现代性和精致程度都令人赞叹不已。她通过打破结构来创造形状，这是一种迷人且冥想式的从事工艺的方式。”受到“纸绳Jiseung”的启发，此次Loewe还用回收的报纸制作了一系列手提包。事实上，在过去七年中，Loewe一直通过与来自不同文化背景、领域的工匠合作，以促进不同手工技艺之间的切磋与融合。Anderson表示：“从澳大利亚到巴西，从中国到苏格兰，我们在世界的众多角落做调研，每当我们掌握一门新的工艺，便会将它纳入品牌之中，并持续进行销售。我认为这是一种非常良性的生态系统。”
意大利奢侈品牌Loro Piana邀请Kennedy构思和执行2022年米兰设计周主题展览 "舒适自然的未来画卷"（A Portrait of Comfort and Natural Future）。在Loro Piana新修复的品牌总部Cortile della Seta进行，展示了多栖设计师Raphael Navot的新系列现代家具 "Palm"。
Cortile della Seta的华丽空间被转化为一个柔软、连绵、起伏的沙丘景观，新系列家具通过该装置同时被隐藏和揭示，若隐若现。在一个身临其境的旅程中，参观者置身其中，探索和发现Navot的作品（他经常称之为“创作物”），或伫立在沙丘上，像浩渺景观的守卫者，或藏匿在沙丘下的 "洞穴 "里，亲密集会一般窃窃私语。
这趟沉浸式的旅程，被赏心悦目的温柔曲线，以及触手可及的高贵织物包裹着，让人联想到品牌珍贵羊绒所属的自然大地。展出的Palm新系列延续了双方2021年首度合作成果“棕榈二重奏” （The Palm Duet）躺椅的灵动设计，继续将符合人体工学的舒适、高贵面料的触感展现得淋漓尽致。
向左滑动查看：棕榈二重奏 （The Palm Duet）躺椅Simone Bossi © 2022
“作品重在其‘人文’元素”，Navot认为，“它们采用前卫方式设计而成，但没有大肆渲染未来世界的超高科技愿景，而是立足过去，放眼未来，将未来看作一个充满希望的地方。”在"舒适自然的未来画卷"理念的指引下，装置与新家具邀请人们亲密互动，在设计周喧嚣繁华的背景下，安静地揭开一角温情而深沉的天地。
Simone Bossi © 2022
The Palm Duet躺椅与软垫凳和The Palm沙发床，呈现出圆润造型和不对称设计让人印象深刻。靠背弯曲一定角度，轻柔地倒向一侧，欢迎着人们的靠近、互动。可以想象到Navot对作品视作雕塑般的精雕细琢，追求整洁、优雅、永恒的形状，曲线难以置信地宛如在流动。
The Palm凳子有着简约经典的造型却暗含巧思，是该系列中最具趣味的作品。小号坐凳顶部可拆卸、翻转，用作桌子或托盘。它们是轻松的玩趣之作，支座和座椅可以用不同色彩、材料进行混搭，愉快地加入并装点整个家居空间。
Simone Bossi © 2022
Novat在设计中一贯对天然材料充满热情，追求卓越、永恒，不太关心潮流。他的创造力与Loro Piana的材料自然而然地融合在一起。除了Cashfur之外，新的单品也使用一系列高级面料制成，包括亚麻、羊毛、羊绒。
Louis Vuitton庆祝Objets Nomades旅行家居系列诞生十周年，于地标建筑Garage Traversi的两层空间中呈现特别展览，涵盖由Atelier Oï、Campana Brothers和Raw Edges打造的最新作品，以及其他14位设计师或工作室在过去十年间创作的同系列的六十余件家具、饰品。这些精雕细琢作品都从Louis Vuitton横跨160年的“旅行艺术”传统和勇敢无畏的精神中汲取灵感，兼具创意性与实用性， 融蕴着设计师的创造力与品牌无可比拟的精湛工艺。米兰国际家具展期间，Louis Vuitton游牧风格建筑展也如期举行，在圣巴比拉广场呈现出自Studio Rochel工作室的Nova House。
今年Objets Nomades旅行家居系列中，风格各异的新款都额外引人注目：Atelier Oï扩大了皮带座椅系列；Raw Edges设计了全新的Cosmic桌，可以与他们的Dolls系列椅子组合使用；Campana Brothers以巴西婚礼和儿童派对上常见的糖果为灵感，推出Bomboca四人座模块化沙发，赋予其恰似云朵般的柔和线条。其中，Atelier Oï和Raw Edges接受了卷宗专访，在深入解读新设计的同时讲述了对Louis Vuitton旅行精神的感悟。
来自瑞士的Atelier Oï建筑和设计工作室，自创立以来始终与Louis Vuitton保持紧密的合作关系，工作室于2017年推出的Belt椅已成为Objets Nomades旅行家居系列中的经典款。此次米兰国际家具展中，Atelier Oï拓展Belt系列的设计，推出的三款全新作品：躺椅、吧台椅和边凳。
Atelier Oï表示，当他们与一个时尚品牌合作时，必须在设计与品牌间搭建桥梁。皮带座椅系列从Louis Vuitton的经典包袋搭扣元素中汲取设计灵感，坐垫和靠背均由一条条经过精确切割的细腻皮革饰带，拉伸、拆绕在座椅框架上，并在椅背后通过黄铜搭扣固定，形成一个坚固的波状表面，仿佛沙丘地貌一般。就这一系列的特性，Atelier Oï总结道：“我们把玩材料的张力以创造不同的形状。在皮带椅中，皮革不是用来包裹内衬的，这一扁平的二维材料被转化为三维立体的结构，于此同时还要保障使用时的舒适度。”而关于材料的混合运用，Atelier Oï表示他们就像厨师那样，会根据项目的主题，为最终的材料解决方案进行各种尝试和实验。经典皮带椅和吧台椅均采用优雅现代的金属框架，躺椅和边凳则以金属配件支持木质框架。其中，躺椅款简洁的结构和流畅的线条，从雪橇中得到启发，旨在唤起家庭共度时光的美妙记忆和感官体验，同时也是Atelier Oï瑞士性的体现。
今年是Objets Nomades旅行家居系列诞生的第十周年，Atelier Oï感慨Louis Vuitton强调团队合作，哪怕项目中有众多风格各异的设计师，彼此都能感到浓郁的家庭氛围和协作精神。就Objets Nomades这一相对抽象的主题，品牌在提供开放的通报介绍后，给予设计师极大的创作自由。当被问及对Nomadism（游牧、旅行、流浪）一词的理解时，Atelier Oï告诉Wallpaper：“Nomadism不是从地点A到地点B的转移，不是坐上飞机，中途没有停顿，在一个密闭的空间里看不到任何风景的行程。Nomadism所指的旅行是会有坐下来休息片刻，甚至点燃一把篝火，就像螺旋灯点亮后光与影的美妙效果；或者躺在吊床上看夜空的繁星。吊床可以卷起来，折叠凳折起来和公文包一样大小，在旅行途中方便随身携带……Nomadism的精神是享受当下，且受到大自然与旧时美好时光的启发。另外，通过设计，我们试图提供一种做梦的方式，梦想同样可以是旅行的目的地，这也是Objets Nomades旅行家居系列的初衷。”
来自伦敦的设计工作室Raw Edges同样与Louis Vuitton有着多年的合作。两位创始人Yael Mer和Shay Alkalay是一对情侣，他们在耶路撒冷相遇，随后一同在伦敦皇家艺术学院深造。他们的设计实践强调想象力的尽情畅游，追求惊喜、幽默和趣味性。Raw Edges表示：“我们对物品的制作机制和原理感兴趣，很注重技术性。我们希望我们的设计会激起人们的好奇心，还有想要抚摸和使用的欲望，而不是无动于衷，就像孩子们那样时刻想要探索周围事物。”
沿袭这一玩味精神，Raw Edges为此次Objets Nomades旅行家居系列设计了Cosmic桌（Cosmic Table），分为室内和户外两款。Cosmic桌的底座无疑是最大的亮点，其简洁而巧妙的造型，始于设计师用三张互锁的纸片创造的有机设计，让人联想到他们的另一款经典设计Concertina椅中对折叠机制的探索。Raw Edges告诉我们：“我们的设计常常从对纸的摆弄开始，而纸与皮革之间有很多相似之处，两种材料的结构都是薄且纤维化的。因此，我们从纸张建模开始，并有信心可以用Louis Vuitton的皮革完成最后的创作。我们的设计不会刻意从品牌中找寻依据，更多的是发明新的创意和理念。有时候人们从现存的事物中寻找灵感，但如果直接有了想法，就不需要灵感了。纵观Louis Vuitton悠久的历史，发明创新是品牌的核心精神，品牌团队欢迎我们的提议，他们总是积极迎接新的挑战。”
为了同时保证底座的轻薄造型和承重能力，Raw Edges和Louis Vuitton一同开发了极具创意的碳纤维构造，最终成果体现了尖端技术和传统工艺的完美融合。其中，室内桌底座采用品牌的亮色牛皮包裹，共有四种颜色选择；户外桌则附着防水防蚀的釉面涂层，共有八种色彩，可以匹配不同的场景或心境。两个版本均配备手工打造的纹理玻璃台面或透明玻璃台面，前者映射出浪漫绚丽的光影效果，后者则更优雅大方。Raw Edges表示，如果要用一个词来形容Cosmic桌，那便是“反差”：轻薄、跳跃的底座与厚重、圆润的玻璃桌台之间的张力令人回味无穷。
Gonzalez Haase AAS建筑事务所
Pierre Jorge Gonzalez 、Judith Haase
Modes邀请柏林Gonzalez Haase AAS建筑事务所为其位于复兴广场（Piazza Risorgimento）的旗舰店设计了一系列城市空间装置。试图在繁忙的城市广场与私密的购物空间之间设置一个过渡，为众多游客提供一块凉爽、清新的“游乐场”。
这些装置采用了事务所特征化的灰色饰面金属材料，一一个俏皮的形式仿佛一张张邀请函，承载着不同类型的社会空间功能。这些装置很容易建造和拆除，在家具展结束后，计划在其它地方重新组装，如田园牧歌般在城市结构种创造微环境。
W＊：可以为我们介绍一下今年为Modes设计的装置“集会Assembly”吗？这是一次城市设计的尝试？
PJG：当今，过渡的行为可以很漫长，比如乘飞机或坐火车从一地到另一地，旅途上与陌生人的交流是不可避免且顺其自然的；又或者，过渡的行为也可以很短暂，比如在炎炎夏日人们从暴晒的广场逃窜进凉爽的室内。这一次，我们试图在后一种城市空间类型中的凝滞时间，增加更丰富的体验。
几何上，我们使用了圆形为基本元素，因为圆与圆心本身象征着集聚。第一个装置是 “柱廊portico”，也是最大的一个，它平行于Modes店面形成新的檐下空间，尤其每一跨顶部，都由反光的银色气球构成天花，灵感来自安迪·沃霍尔，呼应Modes旗舰店50年代美国的室内设计主题。第二个装置是“吧台bar”，由三个相同大小的金属圆形台面相嵌组成，最边上一个下凹形成容器，可以用作巨大的酒吧冰桶。第三个装置是“长椅bench”，环形的长椅被中央的金属屏风隔开，坐在外围一侧，坐在内围一侧，或者坐在两侧的人们隔着屏风交谈，空间呈现三种不同的亲密度。第四个装置是“舞台stage”，一个大直径的金属圆形台面任你游戏，看到它与“柱廊”结构钢柱之间的交接了吗，完美的钢管舞场地！第五个装置是“帐篷tent“，一个离地的金属硬质帐篷，需要钢梯才能到达，而帐篷下储藏了水箱，为”柱廊“提供怡人的水雾系统。第六个装置是”躺椅lounge“，环形的设计搭配尼龙面料，”胁迫“人们脚尖碰脚尖亲密地躺下。
W＊：你们是如何与Modes合作设计他们的精品店的？你们如何综合自己的设计理念和Modes的时尚观点？
PJG：我认为我们的合作方式非常特别，因为Modes不是一个形象单一、具体的品牌，而是一个时尚买手品牌，它最注重的是连接，连接时尚与买家。所以它最大的特质是真正的、性别的开放性。零售空间常常被性别化视觉所绑架，面向女性客户的商店常常被期待呈现女性化的空间，男性客户同理。在Modes这里，集合了各种不同的时尚品牌，不同的目标客户群体。每次任务书他们只提供想要展示的产品数量和更衣室数量，没有更多了。我们可以根据经验和想法探索非常开放、自由，甚至称之为中性的设计。
JH：我们已经合作并设计了四家Modes门店，也在过程中不断试验新的设计。所以一家门店看起来可以和另一家门店很不一样，与地点有很大的关系。在巴黎，城市文脉背景至关重要；而在意大利撒丁岛这样的风光旅游胜地，我们试验了与热情明媚的地中海自然景观形成反差的设计风格。
W＊：可以认为中性的空间设计是你们对于当代零售空间的一种答案吗？
PJG：我们试图对零售空间做一些思考和批判，反思什么才是最关键的。中性或许不是很恰当的形容词，我们探索如何保持克制和准确。创立事务所之际，我是舞美场景设计师，Haase是建筑师，空间设计是我们工作的方式。我们不做僵化的风格，而是从必要功能去发展出空间。值得注意的是，当今的零售空间设计很少有超过七年不更新的，因为品牌设计师的改变、品牌理念的更迭，客户对潮流的追逐。而七年对于室内装饰材料的寿命来说太短暂了，奢华的设计只是对资源的铺张浪费，我们需要精简，同时对于内在核心需要更充分地回应。
向左滑动查看：Gonzalez Haase AAS建筑事务所为Modes设计的装置“集会Assembly”
W＊：在这种空间设计的工作方式中，你们通常是如何处理顾客和产品之间的互动关系的？可以举例说明一下吗？
PJG：我们关注通过灯光设计创造互动关系。在传统博物馆和零售空间中，他们非常习惯使用聚光灯来点亮单一的艺术品或商品，在这种光环境中，主体是物品，人却是消失的。我们所做的就是扭转这种情况，做一个我们称之为更民主的灯光。它可以平等地照亮所有空间，包括空间中的人和物。通过经营均匀的光线的恰当的反射，人们看到商品、看到自己、也看到彼此。这是一种概念上的民主，所有的人与物都在那里，所有的人与物都应该可见。我们不愿意用空间去烘托一件商品的昂贵并刺激消费，购买高价与低价都是平等的，那只是对财产的一种分配选择。
JH：比如零售空间中常见的元素——岛台、展架，我们将它们想象成建筑物，商品是它们所容纳的对象。商品上新、下架，大小、规模、颜色总是在变化，建筑物却是相对固定的，它需要有包容性与灵活性，这种应季的可变性本身也是与顾客、尤其是常客之间的一种互动方式。
Natuzzi Italia携全新系列“The Circle of Harmony——纳新”，向公众打开了其位于米兰市中心杜里尼宫（Palazzo Durini Caproni di Taliedo）中的展厅大门，将浓郁的南意普利亚大区（Puglia）文化和风情引入这座著名的17世纪巴洛克风格的奢华贵族宫殿。
从繁华的设计品牌街区（Via Durini）进入，首先映入眼帘的是绿意盎然的意大利庭院空间，在这里，两度与品牌合作的意大利设计师Marcantonio创作了引人遐思的装置作品Germogli（新芽）。一株株巨大的金色嫩芽破土而出，近4m高的造型在日光下熠熠生辉，映衬在四周古典拱廊与油绿常春藤的背景下，美轮美奂。
“这个装置想要传递‘The Circle of Harmony’的精神，纳新（Second Life）的概念，同时呼吁大家关注普利亚地区的橄榄树所面临的一个紧急问题——木质部菌感染，及其对全欧洲作物的潜在危害。” Natuzzi Italia品牌创意总监Pasquale Junior Natuzzi出现在现场为我们介绍道。稍后，他与Adam合作系列的设计师荷兰Marcel Wanders工作室创意总监Gabriele Chiave一同接受了卷宗采访。
围绕着每株“新芽”，场地中放置了数个Marcantonio为品牌设计的新品Terra懒人沙发，在熙熙攘攘的设计周期间长期被休憩的公众尽数占领。Terra的外观十分独特，区别于普通的懒人沙发，它的两侧由同样质地的条带连系，在一体化的造型中又轻巧地区分了座位和靠背。圆润的线条和轻轻离地的状态像一颗生长于普利亚红土上的橄榄，也像一个嬉笑着试图抱住自己脚踝的孩童。
向左滑动查看：Natuzzi在Fabio Novembre设计的建筑内部的展厅
随着步伐前进，我们进入由米兰建筑师Fabio Novembre新改造的展厅内部，高敞的白色空间类比理想广场，周围围绕灯光。系列家具在展陈布置中融合了普利亚的多重色彩：有特鲁洛（Trullo）小石屋圆锥顶的斑驳灰色，奥斯图尼（Ostuni）沿海岸线错落民居的暖白色；也有赤土陶罐的浅浅红棕，肥沃土地的暖褐色，橄榄树林泛着银色色调的苍绿，以及好似被晒得褪色的仙人掌的沙绿色。
当采访中问及普利亚代表了什么样的地中海生活方式——“自然而丰富的色彩，柔和而宁静的形状，”Chiave回答道，“普利亚是一个拥有惊人灵感资源的设计摇篮。我们特地拜访过那里，我们谈论文化、农业、建筑、食品、艺术、材料，那个地区的一切。当我跨文化地审视一片版图，发掘哪些是区域性的东西，哪些是非区域性的，让我们感到非常有趣。”
提及双方的合作，Pasquale Junior Natuzzi回忆到，“初衷是将Natuzzi Italia的DNA与外国工作室的国际视野和设计思考融合，把叙事放在创作过程的中心。它以一种非常好玩的方式发生。我们一起工作已经有五年了，在最开始的两年，提出的系列肯定是更有实验性的，去年也合作出Eufolia沙发，它以被风吹动的橄榄叶为原型，是十分颠覆的轻盈的沙发。逐渐地，我们的想法越来越多地和他们工作室的创意方向融合在一起，才有了今年Adam系列，经典和创意出乎意料地结合得很优雅。”
Chiave相视一笑，“我们是荷兰的设计工作室，而Natuzzi Italia根植在意大利，文化的融合对我们来说一直一个很大的挑战。当PJ邀请到我，我首先思考自己可以为品牌的下一步发展做些什么，可以把品牌带到另一个什么样的层次。我也很有幸，Pasquale Junior Natuzzi允许我们把这个文化背景当作尽情创作的游乐场，今年是合作的第四个系列，我可以说从最初的挣扎和困难，到现在磨合到了相对成熟的状态。我们真正了解了彼此，我们开始可以讲述他们的故事。”
合作系列以Adam沙发为代表，诞生于结合可持续原料和永恒设计的愿景。在设计上，沙发整体延续了品牌经典设计的构型，却在出其不意的细节中引入新意。木质底座将沙发架离地面，靠背和扶手都可以翻折或打开。“这可不是保守的创新，” Chiave说到设计兴奋了起来，“我们研究了品牌传统的模式是将沙发靠背和沙发垫分离，而这一次我们操弄这种先入为主的认知。Adam的靠背和软垫是一体的，从侧面看上去像是轻搭在沙发上，然而它却可以被完全打开调节成高靠背的状态，托扶着你，扶手也带来一样的错觉。”
Pasquale Junior Natuzzi补充，“这是起名Adam的原因，它意味着第一个男性，一个循环的新开始。面料也使用生物相容性材料，我们试图想象一个‘原型沙发’，设计与质量都经受得住时间的考量，这是从经典出发的‘纳新’”。
此外，展厅中展出了Marcantonio为Natuzzi Italia设计的Infinito沙发也十分惹人注目，它将数学符号“无穷大”转化为一个弯曲的三维雕塑，仿佛在自我缠绕、自我缩紧后形式固定了下来，在流动的形式中提供坐、躺、倚、靠的舒适度，柔软和支撑并存。
以及多款应用新纤维Gaia和Origami的产品，这是继去年与荷兰纺织创新工作室Byborre合作推出优质羊毛和可回收聚醚砜树脂混纺纱线制成的Water织物系列之后的新尝试。
Occhio，意大利语的“眼睛”。它成为世界上第一家为家庭和商业空间引入全面的模块化照明系统的公司。该公司总部设在慕尼黑，是极简设计、高水平的照明质量和 "使用乐趣 "的代名词，因其完整的智能照明系统和聚光灯而脱颖而出，为各种需求提供解决方案。品牌的创始人兼设计师Axel Meise，他自从童年时代就着迷光对气氛和情绪的影响，他很早便开始着手研究开发和设计最优质的灯光，希望利用光的力量来改善人们的生活质量。
Occhio创始人兼设计师Axel Meise
在米兰设计周，Occhio作为米兰Corso Monforte街上照明品牌领导者，为米兰设计周推出高奢系列新品——Edizione Lusso，它是经典畅销款Mito的高奢系列。对于建筑师而言，Occhio提供了更为宽阔的设计自由度和多种室内氛围得以切换的可能性。
在米兰旗舰店首次展现Edizione Lusso的高端材料选用，如Ascot皮革、大理石以及全新黑色饰面，这些决定了新品Edizione Lusso的外观以及气质。Occhio米兰旗舰店以120 平方米的空间提供了Occhio品牌互动和体验区域，并展示了完整的产品系列，在此向公众直观地展示了Edizione Lusso不同的六种风格——可配合整个Mito系列不同风格搭配使用，各种材料也可以自由组合和选择，十分吸引崇尚个性化设计的人们。
研究和设计工作室Formafantasma的
Andrea Trimarchi和Simone Farresin
由Prada与Formafantasma携手策划的Prada Frames深入探究自然环境与设计之间错综复杂的联系，旨在通过一系列讲座、阅读、对话和视频放映，辩论、分享和展示创新思想，在体现教育意义、共同增长见闻的同时提供一个开创性的知识体系。
Formafantasma由Andrea Trimarchi和Simone Farresin共同创立，这家位于米兰和鹿特丹的研究和设计工作室，关注设计的历史、政治和社会影响，并对材料及其在生产过程中的使用持审慎态度。Formafantasma认为此次与Prada的首次合作可以打造一个“能真正产出意义与创意，而非仅仅停留于产品”的平台，并非意味着要批判产品制造，而是希望提供一个机会，在产品制造之上发展新型设计文化，并以此对设计行业的未来产生积极影响。而另一边，Prada一直以来重视对教育和信息传播的支持，Miuccia Prada表示：“教育与文化都是必不可少的，不仅能让我们了解自身，了解所处的世界，也能促使我们探索未知。对话一直是Prada发展及探索世界的核心理念，因此，与Formafantasma携手举办Prada Frames亦是符合我们发展方向的自然之举。”
作为一次“集体反思时刻”，本次研讨会主题集中于森林生态系统、木材业的运转原理，以及设计在此生态系统中可发挥的作用。正如Formafantasma所说的那样：“长期以来，设计的关注点仅停留于满足使用者的需求与愿望，而甚少关注材料采购与开发。考虑到现有的生态危机，我们应比以往更加注重如何以慎重而不失创造性的方式参与材料的监管链。如今，我们拥有的主要机会便是发展一种更为复杂的设计概念，不仅关注产品式样，还要真正系统性地应对可持续发展的挑战。”
事实上，Prada Frames源于Formafantasma已进行多年的研究，也是对其2020年伦敦蛇形画廊“Cambio”展览的延续和发展。在去年，他们与由Alvar Aalto夫妇创立的家具公司Artek展开合作，对芬兰的纸浆生产和林业进行深入研究，“我们更清晰地意识到，此时此刻，几乎所有的林地都用于木材生产，但真正的森林可以提供更多！生物多样性应该是森林的核心问题”。除了在研讨会中分析更多相关发现和心得，Formafantasma也为Prada Frames特别创作了紫色森林主题的视觉设计，而这一系列图像背后同样蕴含着设计师们对森林的特别理解。他们在采访中谈到：“这是一个森林的激光雷达扫描图……这一技术被用于林业，以获取更多关于环境的信息和帮助决定要砍伐的树木。我们觉得这很有趣，因为和其他技术一样，它给人带来了知识的错觉。事实上，你看到的只是树木的表面，是一个幽灵般的表象。通过这次研讨会，我们的目标是更深入地了解设计和自然环境之间超越可见范围的复杂关系。”
和Formafantasma一直以来的研究和设计一样，Prada Frames强调集体性和多学科性的实践。鉴于环境研究与所有知识和文化领域之间的关系日益密切，Formafantasma认为设计师们需要接触设计以外的从业者。为此，他们在策划研讨会时，邀请科学家、建筑师、设计师、艺术家、活动家、人类学家、法律专家等不同领域的学者和专业人士，从各自不同的出发点分享有价值的观点，最终达成围绕可持续性研究的学科间的融会贯通。与会嘉宾包括策展人Paola Antonelli、设计评论家Alice Rawsthorn、学科研究团体Forensic Architecture的Eyal Weizman和Paulo Tavares、作家Amitav Ghosh、人类学家Anna Tsing、科学项目Feral Atlas的代表、政治创新办公室（Office for Political Innovation）的Andrés Jaque和树木年轮研究实验室教授Valerie Trouet等。其中有些演讲者Formafantasma已认识多年，有些则是他们在“Cambio”展览期间合作过的。
在研讨会举行的三天内，每天有两场活动，共六个部分，主题清晰明确，不同学科、研讨形式交叉展开、层层递进：第一个部分“背景”围绕植物、森林作为有感知的生命体的看法展开，并介绍了建筑知识在法证调查中的作用；紧接着，“叙述”回溯了人类、森林和木材之间关系的历史，着重分析了不同地区的生产和护林模式；“设计”呈现了一些建筑师、策展人和设计专业学生的作品，他们对设计持开放态度，同时积极地重新定义材料与生态系统的关系；而后，“感知”探讨了通过气味、声音和木材解剖感知森林的不同方式，以及在设计中囊括人类之外的物种的复杂之处；“治理”宣讲了木材作为碳储存介质的属性，并就自然生态系统治理及塑造森林的政治力量展开讨论；最后的“居住”部分则在围绕居住及负责任地从森林获取资源的模式展开的同时，提出了森林原住民知识和“野生动力”。
知识的碎片化对应着责任的碎片化，而生态危机要求每个人都要负责任。作为设计师，Formafantasma表示：“想了解材料、手工艺、动植物和设计过程中所涉及到的所有人或角色”，而作为此次Prada Frames的策展人，Formafantasma总结道：“我们试图为那些有待认可的叙述提供空间，在我们认为的必要之处转换成设计的语言……可持续性不仅仅是关于材料的选择和取舍，它是一种我们需要培养的文化。”
在米兰标志性的六个古代城门之一的新门（Porta Nuova），Stella McCartney以一场蘑菇盛宴重新激活一座19世纪新古典主义关口建筑CASELLI 11-12。本次"时尚的未来 "（Future of Fashion）前沿装置，是品牌对去年在英国格拉斯哥联合国气候变化大会（COP26）展览的再版，一如既往地关注生态自然、前沿科学和先进设计之间的共生关系。“菌菇缔造美好未来”的主题贯穿了整个展览，从大道远端便可以窥见，巨型蓝色蘑菇装置在古典拱门下反射着粼粼微光。
展览分别布置在东西两个对称的拱廊及建筑中。西侧展出了品牌有关植物性材料技术在时尚届应用潜力的探索。首先映入眼帘的是高耸的活菌展示雕塑，映衬着位于中央的由采用真菌根状组织 —菌丝体制作的皮革Mylo™️革新打造的Frayme迷链Mylo™特别版奢华手袋，来自品牌与美国材料科技创新公司Bolt Threads 的深度合作。纯素Frayme即将在今年7月1日开始出售，首批限量发行100个印有唯一编号的包袋。不远处，还展示了品牌标志性的 Falabella 手提包的蘑菇皮版本，诞生于2017年，这是世界上第一个以菌丝体Mylo™️材料制成的作品。其后，这种材料又被试验到服装单品中，设计出黑色紧身胸衣和长裤。
在现场，伴随着英国音乐家Cosmo Sheldrake利用植物和真菌的生物电创作的音乐中，参观者被允许直观地触摸、感受蘑菇皮制作的产品，都会为它厚实、软糯、光泽、弹性的特质而感到惊讶。“Mylo™️的质感、耐用性和设计潜力都可以与动物皮革相媲美，远远优于其它替代品。很快大家就会反思，为什么我们需要杀死一头牛来制作一个手袋。”Stella McCartney在采访中激动地表示。
菌丝体具有强大的再生能力，即使脱离实验室在野外也能以自然资源为食，旺盛生长。在“采摘”时是根系处于泡沫层的生物形态，模仿了胶原蛋白的微观结构，使得加工处理后的最终材料拥有合成皮革不可能有的温暖和海绵感。
Stella为此感到骄傲，“我记得第一次去旧金山Bolt Threads总部是在2016年，那时应用可替代的、可持续的材料在时尚行业还是未知的领域。我被Microsilk™️纯素丝绸的柔软和奢华所打动，立即开始了与他们科学家团队的紧密合作。实际上我们预感到Mylo™️蘑菇皮可以取代一大部分的时尚业传统皮革，给地球带来难以置信的积极影响。我们很自豪成为这一‘菌丝体’运动的先驱之一，期待看到其他更多品牌的跟进。”
展览东侧展出了“菌菇缔造美好未来”主题下品牌与意大利知名家具设计品牌B&B Italia和英国传统墙纸品牌Cole & Son的首次室内产品合作，印花图案来自2022年夏季Stella推出的“菌菇森林”（Fungi Forest）创意。印花以单色手绘线条来描绘真菌生态群落的旺盛生命力，线条本身呈现出轻盈、透明、灵动之感，而图案整体带来繁复、迷幻、无尽的想象。Stella解释道，“手绘设计给主题带来了一种脆弱和美丽，这正是我对地球母亲的看法。我希望这种有冲击力的视觉印象可以持续提醒大家对地球环境危机的意识。”
在与Cole & Son合作的墙纸中推出了酒红与海军蓝两种颜色，“我们试图选择经久不衰的色调，不仅是对‘蘑菇森林’的赞美，更希望它可以在家居设计中被长久使用。这款墙纸基材含有79%的可再生纤维，制造过程比传统无纺布会减少三成温室气体的排放，是迄今为止Cole & Son推出的最可持续的环保墙纸之一。”
在另一个房间，你可以惊喜地发现铺满“菌菇森林”（Fungi Forest）手绘印花的Le Bambole单人沙发。直译为“洋娃娃”，它是意大利大师马里奥·贝里尼（Mario Bellini）于1972年创作的经典设计，枕头般圆润、充盈的造型十分可爱，如今它在Stella的重新想象中换上了新的装扮。“Bellini先生是我的个人偶像！可以与B&B Italia在他的标志性作品上合作是一个巨大的荣誉！”同时，Stella强调，“绝不仅仅是外部图案。我们痛心地了解到，仅在英国，每年就有超过2200万件家具被送往垃圾场。这促使我们对特别版Le Bambole从内部就进行了全面的可持续性改造，每一个部件都通过工程努力被重新设计，可被分别拆卸和回收，并几乎完全由可循环的材料制成。”
2016年，意大利导演Luca Guadagnino在翻修位于克雷马（Crema）的一座17世纪宫殿时意识到了自己对室内设计的浓厚热情。而他的这个家不仅成为奥斯卡获奖影片《请以你的名字呼唤我》（Call Me by Your Name）故事的发生地，更促成了2017年Studio Luca Guadagnino（SLG）室内建筑事务所的成立。
Guadagnino 表示："在我的电影生涯中，我一直从事二维空间的创造。而室内建筑与三维空间有关，有更多的变量和数值需要考量，最重要的是要确保‘装饰’是空间创造时的一个基本元素，而不仅仅是浮于表面的添加之物。我热爱空间以及空间中形式和光线的栖息方式，我也喜欢打造出可以供人体验的空间。”在忙碌的拍摄计划之间，Guadagnino总是能找到时间发展他对室内设计的热爱，在为Yoox Net-a-Porter集团创始人Federico Marchetti打造私宅和为Aesop、Redemption设计零售空间之后，今年米兰设计周期间，Studio Luca Guadagnino首次与公众分享其家具和空间设计，在布雷拉设计区著名设计公司Spazio RT的陈列室呈现了Accanto al Fuoco/By the Fire的特别展览。
SLG的当代设计实践根植于世纪中期的意大利设计，正如Guadagnino所说的那样，“现代主义，特别是意大利战后的建筑，教会了我们如何与几何图形打交道，并使其成为空间理念的重要组成部分。我们正试图为一个感性的世界赋予几何秩序。”而此次By the Fire的的灵感源泉是Carlo Scarpa，Guadagnino一直非常钦佩这位威尼斯建筑师、室内设计师对材料和材料交织方式的深刻理解。
在Spazio RT的陈列室中，SLG打造了两个面对面的客厅空间，以微妙的色彩和细节变奏讲述同一个概念，其中的绝大部分家具都来自工作室自己的设计。两座壁炉无疑是展览的焦点，一座使用了米兰地区特有的灰色奇波石（Ceppo di Grè），另一座则由慕尼黑Nymphenburg瓷器厂生产的荧光色陶瓷打造，凹凸波浪线立柱、之字形底座等细节交相呼应。壁炉背后的墙面分别装饰着由棕榈木和橡木制成的三角形木质镶板，辐射状的拼接打造出别致的几何造型。木镶板上，由传奇设计公司FontanaArte生产、销售的波浪形玻璃壁灯，好似波提切利笔下爱神维纳斯的缕缕金发。摆放在两侧壁炉前，以黑色花岗岩或伊朗红色石灰石制成的咖啡桌好似拼图一般，呈现出独特的几何趣味性。而上述设计中频繁出现的曲线、棱角等点睛元素，无不呼应着Carlo Scarpa为1953年在西西里举行的艺术家Antonello da Messina画展所做的场景设计，以“calico plissettato”褶皱技术呈现的天鹅绒布，亦覆盖着客厅的天花板和另外两册墙面。
客厅中的地毯由南法Saint Tropez附近拥有百年历史的La Manufacture Cogolin工坊以羊毛和丝绸编织而成，最初是SLG与北爱尔兰平面设计师Nigel Peake共同合作，为Redemption纽约门店所设计的，后者还为Guadagnino的HBO电视剧《本色》（We Are Who We Are）设计了片头。地毯上波普风格的花卉图案就像拼贴画一般，在一系列方块中被重新排列。
展览中还穿插着一系列古董家具，包括一张沙发、三把椅子和一把长椅，均来自世纪中期意大利设计师Ignazio Gardella于1957年推出的Digamma系列，且属于Guadagnino的私人藏品，SLG希望通过混入设计史中的杰作，为空间注入全新的活力。此外，意大利裔美国艺术家Francesco Simeti的陶瓷花卉雕塑装饰着咖啡桌以及Spazio RT临街橱窗的装饰墙，这位艺术家是Guadagnino年轻时在西西里岛巴勒莫的好友。
Luca Guadagnino将By the fire定义为“一个二十一世纪的展示，但深深根植于我们为未来的当下所打造的设计”。而回到《请以你的名字呼唤我》，在电影最后的三分半钟里，Elio正是对着壁炉中火光，对他与Oliver在夏日的爱情故事、对他们各自或共同的未来若有所思。因此，Phaidon在2021年出版的《设计:世界当代室内设计师作品集》（By Design: The World's Best Contemporary Interior Designers）一书中对Studio Luca Guadagnino的评价是精确的：“在Guadagnino的室内设计中，对叙事理念、空间、色彩和历史的掌握都令人惊艳，就如同在他的电影中那般。”
设计师Tom Dixon
恰逢英国设计师Tom Dixon创立其全球设计帝国20周年，品牌选择在米兰苏富比拍卖行所在的塞尔贝罗尼宫（Palazzo Serbelloni）举办史无前例的回顾展 “二十”（TWENTY）。
Dixon本人常常被认为是设计鬼才。他的青年阶段充满了不同的尝试：陶器、焊接和音乐。在产品设计早期，不同阶段之间的设计试验也截然不同：生锈阶段，平切金属条阶段、结构工程阶段……在品牌创立过去的二十年里，Dixon有机会在室内设计、装饰和照明方面进行各种实验和冒险，并在无限的材料中创造出大量物体。通过这次展览，品牌精选了二十件展品，每一件物品和每一个空间都有自己的故事，探索了品牌一致又多维的想法、材料和制作过程。卷宗也有幸在展览现场采访到设计师Dixon本人。
展览的一大亮点是Dixon对多个早期成名设计的重新演绎和想象，包括S椅、Wingback椅、Bird椅等，分别试验了不同可持续材料的表现张力和应用前景。“这是一些处于萌芽时期的实验，”当问及展厅中看似未完成状态的展品时，Dixon谈道，“在20周年展览上我们想要真实地呈现一些过程中的原型，显示我们的思索路径，即使它们不会在近期商业化。”
充气S椅（1987-2022）是Dixon与橡胶服装设计师Nange Magro合作的成果，她因为麦当娜、布莱妮、吉吉设计标识性造型而知名。回收乳胶布料紧绷地缠绕在 S椅的经典框架上，呈半成品的状态，使它的特质在充气床垫的舒适性、拖拉机轮胎的坚韧度、和恋物俱乐部的邪魅之间反复游走。鳗鱼草Bird椅（1990-2022）是与Søuld合作用鳗鱼草替代Bird上的石油化工材料。这种可再生的材料因耐久防霉的特性已被应用于茅草屋顶和室内装饰材料，在Bird椅的大胆简约造型上，它更多的舒适可能性正在被挖掘。
20周年之际，最吸引眼球的还是最知名系列的迭代升级款的首发。Dixon为经典吊灯Melt换上一层二向色滤光薄膜，涂层让这个品牌最成功的灯具在不改变形状、大小、底色的情况下，将大功率LED的光线引导到光谱的各个部分，给本已疯狂的内部反射带来色度提升。展览还将多个Melt熔体灯聚合在一起，摄人心魄的太空时代美学令人目不转睛。
镜面吊灯（Mirror Ball）重回视野，最古老的设计如今制作材料被更替成100%回收聚碳酸酯，“在不改变光学质量的情况下，“Dixon强调，”我们竭尽所能与多方合作为原始设计寻找更可靠更环保的替代材料“。在展厅入口，Melt灯被束成一柱缓慢自转着，时不时将塞尔贝罗尼宫的花园绿意映入厅中。
此外，Hydro划时代的超塑性成型技术被移植到新的照明灯具设计中，直径为75cm的巨大波纹金属铝盘，既提供结构支撑，又提供光线折射和反射的表面，几乎没有额外的构件，像科幻小说UFO一般横亘在空中，继续Hydro极致简约的工艺美学。
提到与铝生产商Hydro的合作，Dixon兴奋了起来，“如果你问我20年中有什么是持续的，最明显的答案是我一直对材料感兴趣，以及制造技术、手工艺。无论在中国、德国还是英国，我们都参与产品全程的开发和制造。我最喜欢参观的地方就是工厂。“
展览中，还展出了早期作品纸灯笼（Paper Lantern），它将日本桑皮纸包覆在棱锥体金属框架之外，是Dixon在照明领域的最早尝试，灵感来自日裔美国艺术家野口勇（Noguchi）。当被问及是否被具有东方美学的当代艺术所影响时，Dixon坦诚地说道，”从某种角度来说，野口勇带来了雕塑，我对他地敬佩之情溢于言表。“
“但对我来说，来自东方的工程灵感对我的启发远远大于针对文化审美的考虑。“春季系列并没有在此次回顾展中展出，但Dixon特别为我们描述了它的创作故事。”那一年拜访中国，我们最后来到了北京的纸伞厂和灯笼厂。我真的很喜欢其中精确的工程机制。为了更高效地运输和收纳，它们都被设计成可以折叠的样子，能折成完全扁平的状态，可以被轻易打开。这启发我设计了‘春季’，螺旋的设计和多条高性能钢片组成，从扁平到充盈的动态过程。
向左滑动查看：Tom Dixon此次为品牌成立20周年特别策划的展览
采访临近结束时，Dixon补充道，“我怀念中国的工厂，现代大型终端工厂是世界上令人惊奇的地方，这表明工业和投资的力量。我对需要更换无尘衣才能进入工厂参观的体验记忆犹新。“提及近期在中国开业的三家门店，Dixon坦言，“我觉得时机很不好，我很遗憾我还不能亲自到其中一家拜访并了解情况。但我们仍然坚持所做的这些事情，因为在中国我们曾遭受大量复制品的负面影响，我们希望宣传自己，希望原创的设计可以得到欣赏和认可。期待和大家尽快见面。”
“意式之美“是Turri的品牌语，”原创性、真实性和独特性“在近百年的历史中，始终是Turri持续的追求。作为意大利百年家具品牌，Turri在传统材料与工艺、经典设计、品质质量、以及资本投入上的优势是新兴品牌难以比拟的。在每一件Turri的作品中，对高品质传统手工艺的执着追求也使得其产品获得经久不衰的经典品质。这一点即使在现代和创新的作品时也可以不打折扣、始终如一。
基于这些前提，Turri风格是一种对室内装饰奢华的思考方式。从单个家具作品到全面的室内装饰项目，Turri都可以持续为用户提供奢华、成熟、精致的家居环境。而这一定位，也为Turri带来了广阔的市场和忠实的用户。
在本次设计周中，Turri展示了与设计师Paola Navone、Matteo Nunziati、Monica Armani、Studio Gensler和Giuseppe Viganò联手推出的新品。
在Giuseppe Viganò的Blues系列中，工匠传统和对细节的关注回到了蓝调系列的这些最新发展中。西方文化中的Blues音乐在Turri的设计中找到了归宿：Blues桌子，其图形符号类似于括号，标志着空间的水平划分，让人想起蓝调的音符。桌子的底座让人联想到翅膀，它作为顶部的美学和功能支撑，所有这些都是优雅的线条游戏。一个精致的金属细节标志着一个焦点，突出了设计的美丽对称性。
Matteo Nunziati的Domus系列将罗马住宅的特点转化为对未来的展望。在历史悠久的单层住宅中可以感受到的坚固性和秩序感，在Nunziati的作品中找到了现代的对应物。在Giò Ponti的思考和他对意大利建筑知识的指导下，Matteo Nunziati设法迫使传统的各个方面与当前最需要的设计进行沟通。Domus系列的家具元素——在比例、细节和材料选择方面的研究，以及细致的做工——讲述了意大利家具的工匠故事。
向左滑动查看：位于米兰大学内的“设计再生”展区
米兰大学装置展如期在米兰设计周“FuoriSalone”中向公众开放。本次展览标题为“设计再生”（Design Re-Generation），展示了38个项目。一方面暗示审视旧的设计，实践新的设计；另一方面Re-Generation也指“新生代”，年轻设计师被暴露在更多挑战中，多媒介、跨学科、可持续……他们必须行动！
米大装置展重要的看点之一在于艺术家与企业如何合作。大多数情况下，艺术家用自己的洞察力和想象力审视并应用品牌的材料及产品，他们创作的艺术装置与品牌材料和工艺能否相辅相成可以成为观展时思忖的一个重要指标。
向左滑动查看：EMBT，跳舞的家具——不同舞姿的六张桌子
本次展览的一大看点在于西班牙建筑师组合EMBT（Enric Miralles & Benedetta Tagliabue）第一次在意大利展出“跳舞的家具”（I mobili ballerini della casa），由美国硬木出口协会合作重制，突出了已过世建筑师Enric Miralles（1955-2000 ）作为家具设计师鲜为人知的一面。20世纪90年代的巴塞罗那，建筑师设想了自己“运动中的家”，自宅本身是由哥特式旧仓库改造而成的开放空间，而家具也没有固定的位置和形式，可适应不同的功能实时变化。现场中，这些独特的作品常常有着大于常规的尺度，停留在夸张的可调节状态，有着巨型昆虫般的拟态，单单桌子这一类型就有六种。“它是工作的工具，同时也是思考的工具!”
Antonio Marras，巨人——金属与神话
Antonio Marras为入口处Cortile d'Onore的柱廊创造了一个神话人物游行，庆祝撒丁岛的历史和文化。八个巨人队列，作为古代只是的记忆和指南。金属材料公司De Castelli诠释了Antonio的设计，为八根石柱穿上了一层贵重的金属，两个钢制的半圆柱体提供背景，人物为黄铜或红铜制，激光切割、压延、氧化、侵蚀，最终精确而谨慎地确定其手绘般的纹理和笔触，最后艺术家本人亲自介入，对氧化溶液进行精确的艺术加工。
Michele De Lucchi，恒星站——铝板与虚空望远镜
Michele De Lucchi的恒星站高达14m， 本次占据了最重要的主庭院。装置为塔状微结构，呈截锥形，其灵感来自一个尺寸逐层递减的三角形建筑模块，覆盖复合铝板。它像一个朝向天空和未来的望远镜，却是透空而反光的，隐喻我们不真切的投向未来的目光。
Ron Arad，情歌——大理石与浓情蜜意
Ron Arad与维罗纳大理石品牌Citco合作创作的白色卡拉拉大理石雕塑，从“love”到“song”，挤出、旋转、变形、褶皱，高难度的三维形态旨在展示大理石的可塑性和最新的水刀、激光切割技术。
ovre.design，元素——瓷砖与元素秘境
ovre.design设计工作室与Cerasarda合作设计了四个并排放置的装置，对应抽象的四大元素，土、水、火、空气。对于设计师来说，人们对感官宇宙的第一次体验是通过与这些自然元素的互动，而烧制而成的陶瓷仿佛在物理上表达这层的互动。熟练的意大利瓷砖工匠为装置作品匹配鲜明的色彩和质感，在装置中元素符号在镜面中出现又消失。
Roberta Studio，铁兰绿色波浪——无根系的绿意单元
Roberta Studio 与Michieli Floricoltura合作，在门廊下垂挂了一个巨大的绿色波浪，由覆盖着数千株在空气中就可以存活的凤梨属（Tillandsia ionantha）植物的轻型结构组成。它展示了一种轻盈、有益、可负担的三维空中花园的巨大构造潜力，以无根系的绿意单元构成成。
Cobalto Studio，影响——涟漪般的白色园林
Cobalto Studio为卫浴品牌Roca新系列Ona（海浪）创作的沉浸感官式装置。设置八个可穿行的圆洞，热带绿植与白色沙滩的小景相互间隔。虽说官方称目的在于提供人们在一个个海浪中运动的体验，但现场却些毫呈现出中式园林般步移景异的空间感。
摄影：王简、罗立
撰文：马君怡、王君美、孔亦明、peelsa
设计：穆越彪
编辑：zhuoran、hanxi
部分图片由品牌提供